Shaârghot retrouvera le public le 6 décembre 2026 à La Cigale, à Paris. Cette nouvelle étape s’annonce comme un rendez-vous particulièrement intense pour les amateurs de metal industriel et de musiques électroniques. L’artiste poursuit ainsi une tournée à travers la France, avec plusieurs occasions de faire découvrir sur scène un univers aussi sombre qu’énergique.

Derrière ce projet se trouve une volonté de mélanger différentes influences pour créer une identité musicale forte. Les guitares saturées côtoient les rythmiques électroniques et les sonorités industrielles, donnant naissance à des morceaux conçus pour provoquer une véritable réaction en concert. La puissance du metal rencontre ainsi la précision des machines dans un ensemble particulièrement dynamique.

À La Cigale, cette approche prendra une dimension supplémentaire. Le public parisien pourra profiter d’une salle emblématique pour retrouver toute l’énergie du spectacle. La scène permet en effet de donner davantage d’ampleur aux compositions et de renforcer leur caractère immersif. Les amateurs de metal comme les curieux pourront ainsi entrer directement dans l’univers développé par l’artiste.

Cette date du 6 décembre constitue également une belle occasion de découvrir Shaârghot dans des conditions live. L’expérience repose sur une musique qui privilégie les contrastes, alternant puissance sonore, rythmiques électroniques et atmosphères industrielles. Une formule qui permet au projet de s’adresser à différents publics tout en conservant une identité très marquée.

Après Paris, la tournée poursuivra son chemin dans différentes villes françaises. Chaque concert sera l’occasion de prolonger cette rencontre et de faire résonner cet univers auprès de nouveaux spectateurs. Pour les passionnés de metal industriel, cette série de dates constitue une opportunité de retrouver une proposition musicale pensée pour la scène.

La tournée permet également de rappeler combien le spectacle vivant reste essentiel dans l’univers de Shaârghot. Les morceaux prennent une autre dimension face au public et l’énergie collective vient renforcer leur impact. Entre sonorités lourdes, électronique et esthétique industrielle, le projet trouve sur scène un terrain d’expression particulièrement naturel.

Le rendez-vous parisien est donc fixé au 6 décembre 2026 à La Cigale. Une date à retenir pour celles et ceux qui souhaitent découvrir ou retrouver cet univers musical singulier.

Pour connaître les autres dates de la tournée et retrouver toutes les informations pratiques, consultez la page officielle de Shaârghot.

Pasión de Buena Vista prépare une nouvelle rencontre avec le public français en 2027. Avec ses musiques entraînantes, ses danseurs et son univers visuel coloré, le spectacle propose une véritable immersion dans l’ambiance cubaine. Une aventure scénique qui fera notamment escale à Paris, à la Salle Pleyel, le 3 février 2027, avant de poursuivre sa route à travers la France.

Cuba possède une identité musicale immédiatement reconnaissable et cette production entend en restituer toute la richesse sur scène. Les rythmes, les chants et les chorégraphies se répondent pour créer une représentation particulièrement vivante. Le public est invité à se laisser porter par une succession de tableaux où la musique occupe une place centrale.

La danse apporte une dimension supplémentaire à cette expérience. Les artistes évoluent au rythme des morceaux et donnent au spectacle une énergie communicative. Les costumes, les lumières et la mise en scène contribuent eux aussi à installer cette atmosphère festive et chaleureuse qui accompagne l’ensemble de la représentation.

L’un des temps forts sera naturellement le rendez-vous parisien du 3 février 2027. La Salle Pleyel accueillera cette escale cubaine pour une soirée qui devrait séduire aussi bien les habitués des spectacles de musiques latines que les spectateurs souhaitant découvrir une autre facette de la culture cubaine.

La tournée française commencera avant cette date avec plusieurs représentations annoncées à Yerres, Longjumeau, Saint-Germain-en-Laye et Joué-lès-Tours. Après Paris, le spectacle continuera notamment à Arcachon, Muret, Monaco et Aix-en-Provence.

Cette série de rendez-vous permet de retrouver sur différentes scènes françaises une ambiance inspirée par les traditions musicales de l’île. Loin d’être une simple succession de chansons et de danses, le spectacle mise sur l’émotion, le mouvement et le plaisir du partage.

Pour les amateurs de salsa, de rumba, de son cubain ou plus largement de musiques latines, cette tournée constitue une belle occasion de vivre une soirée dépaysante. Mais nul besoin d’être spécialiste pour apprécier cette proposition : l’énergie des artistes et la dimension festive de la production s’adressent à tous les publics.

En 2027, les couleurs et les rythmes cubains prendront donc possession de plusieurs scènes françaises. Une invitation à voyager le temps d’une soirée et à retrouver toute la chaleur d’une culture profondément liée à la musique et à la danse.

Pasión de Buena Vista donne rendez-vous au public français pour une tournée placée sous le signe de Cuba, avec une étape parisienne incontournable à la Salle Pleyel le 3 février 2027.

Infos et dates de tournée sur le site officiel

Alex Revox Jr signe un album ambitieux où l'énergie du rock vintage rencontre l'élégance des musiques électroniques, disponible chez FGL Productions

Alex Revox Jr revient sur le devant de la scène avec Electro Glam Part 1, un nouvel album disponible chez FGL Productions qui confirme l'identité artistique singulière de ce projet musical. Après B77, salué pour son éclectisme et sa capacité à mêler plusieurs univers sonores, le trio poursuit son exploration en proposant un disque où le glam rock des années 70 renaît sous une forme résolument moderne. Entre hommage assumé et réinterprétation créative, ce nouvel opus s'impose comme une invitation à redécouvrir l'esprit d'une époque mythique à travers les technologies et les sensibilités d'aujourd'hui.

Alex Revox Jr est bien plus qu'un simple groupe. Le projet réunit trois musiciens installés entre Paris, Toronto et Mexico, trois villes qui nourrissent naturellement leur créativité. Cette dimension internationale se ressent dans la richesse des compositions, qui refusent les frontières musicales. Chaque morceau témoigne d'une envie permanente d'expérimenter, de mélanger les influences et de construire un univers cohérent où les guitares électriques dialoguent avec les synthétiseurs, les séquenceurs et les rythmiques électroniques.

Avec Electro Glam Part 1, le trio réussit à retrouver la flamboyance du glam rock sans tomber dans le piège de la nostalgie. Les chansons conservent l'exubérance, le sens du spectacle et l'énergie propres à ce courant musical, tout en adoptant une production contemporaine qui apporte profondeur et modernité. Le résultat est un album vivant, coloré et particulièrement accessible, capable de séduire aussi bien les amateurs de rock classique que les passionnés d'électro.

Les références musicales revendiquées par Alex Revox Jr éclairent parfaitement cette démarche artistique. David Bowie, Iggy Pop, Donovan, MC5 ou encore Gary Glitter ont profondément marqué l'histoire du rock par leur audace, leur liberté et leur goût de la provocation. Le trio reprend cet héritage à son compte pour développer une identité originale, sans jamais chercher à reproduire les recettes du passé. Ici, les influences deviennent un point de départ vers une création pleinement personnelle.

Le nouvel extrait de l'album illustre parfaitement cette philosophie. Alex Revox Jr revisite I Wanna Be Your Dog, morceau culte d'Iggy Pop and the Stooges. Loin d'une simple reprise, cette nouvelle version transforme le classique en lui offrant une production électronique élégante, des textures sonores inédites et une dynamique qui respecte toute la puissance du titre original. Une relecture audacieuse qui démontre la capacité du groupe à faire dialoguer plusieurs générations de musique.

À travers Electro Glam Part 1, Alex Revox Jr confirme son ambition de construire un univers où le passé inspire l'avenir. Le trio livre un album généreux, inventif et profondément libre, porté par une esthétique rétro-futuriste qui fait toute sa personnalité. Disponible chez FGL Productions, ce disque séduira les amoureux du glam rock comme les auditeurs curieux de découvrir une proposition musicale originale, moderne et résolument tournée vers l'émotion autant que vers le plaisir de danser.

Naâman revient avec Coco Wata, une chanson reggae inédite avant le concert hommage « La Vie est un cadeau »

Naâman continue de faire vibrer son public avec Coco Wata, un titre inédit disponible depuis le 17 juillet. Un an après sa disparition, la musique du chanteur n'a rien perdu de son pouvoir fédérateur. La preuve en est avec le concert hommage « La Vie est un cadeau », programmé le 17 octobre à la Salle Pleyel, dont les places se sont envolées en quelques heures. En attendant ce rendez-vous très attendu, Coco Wata offre un nouveau moment de partage à tous ceux qui continuent de faire vivre son œuvre.

Écrite et composée en 2022, cette chanson s'inscrit pleinement dans l'univers artistique de Naâman. Inspirée par le murmure d'une rivière, la lumière de l'été et la beauté des instants simples, elle invite à ralentir, à accueillir les imprévus et à savourer chaque étape du chemin. Cette vision positive de l'existence a toujours été au cœur des textes du chanteur, qui a construit une œuvre guidée par la bienveillance, la gratitude et le respect des autres.

Les phrases « Carry One Another » et « Love Has No Religion » résument à elles seules la philosophie de Naâman. Ces messages de fraternité résonnent tout au long de Coco Wata, qui s'achève sur une phrase particulièrement émouvante : « This song is for you my friend, I want to sing it together again. » Une conclusion qui prend aujourd'hui une dimension symbolique et renforce le lien entre l'artiste et son public.

Le second couplet puise dans des textes inédits écrits par Naâman lors de l'un de ses premiers voyages en Jamaïque. Ces mots, restés longtemps dans ses carnets, trouvent aujourd'hui une nouvelle résonance. Ils témoignent de la cohérence de son parcours artistique et de la fidélité à ses convictions depuis ses débuts.

Produit par Fatbabs avec les musiciens qui ont accompagné Naâman tout au long de sa carrière, Coco Wata retrouve cette identité reggae chaleureuse qui a séduit des milliers de fans. Le clip complète cette sortie en alternant images de studio et archives rares, offrant un regard intime sur les premières années de l'artiste.

Avec Coco Wata, Naâman continue de transmettre un message universel d'amour, de paix et de solidarité. Plus qu'une chanson inédite, ce morceau devient une passerelle entre les souvenirs et l'avenir, une invitation à chanter ensemble et à perpétuer l'héritage d'un artiste dont les chansons continuent d'inspirer un public toujours plus nombreux.

Litiges! dévoile un single puissant accompagné d'un clip inspiré, avant la sortie de son premier EP prévue début 2027

Litiges! continue de tracer sa route sur la scène rock indépendante avec I Wanna Be A Diamond, un nouveau single disponible en digital chez Noir Oblique Records. Après avoir dévoilé You're Freakin' Me Out, le projet porté par Vinz Noise poursuit son évolution avec un morceau qui conjugue intensité, émotion et ambition artistique. Plus qu'un simple avant-goût du premier EP attendu au début de l'année 2027, cette nouvelle sortie confirme la cohérence d'un univers où la musique et l'image dialoguent avec une rare évidence.

À l'origine de Litiges!, Vinz Noise met à profit son expérience d'auteur, compositeur, producteur et réalisateur visuel pour donner vie à un projet qui lui ressemble. Son parcours au sein de formations comme QDH, Swillbelly ou N O I S E nourrit aujourd'hui une écriture plus personnelle, où le rock alternatif se teinte d'influences post-punk, de mélodies accrocheuses et d'une véritable profondeur émotionnelle.

Litiges! est sur Instagram

Dès les premières mesures, I Wanna Be A Diamond capte l'attention grâce à une guitare rythmique nerveuse, une basse omniprésente et une interprétation vocale pleine de caractère. La chanson avance avec intensité, sans jamais perdre de vue son sens de la mélodie. Les amateurs de Nick Cave, Ghinzu, Radiohead, Tom Waits ou encore The Strokes retrouveront certaines atmosphères familières, mais Litiges! parvient à s'approprier ces influences pour construire une identité sonore originale.

Le morceau repose sur une idée simple et universelle : les plus grandes forces naissent souvent des épreuves. En prenant le diamant comme symbole, la chanson évoque cette transformation intérieure qui permet de faire de la pression un moteur plutôt qu'un obstacle. Ce message de résilience traverse toute la composition avec sincérité et donne au titre une portée qui dépasse largement le simple exercice de style.

Cette vision prend une nouvelle dimension grâce au clip réalisé par Alexis Sarremejane. Loin d'une illustration classique, la vidéo développe une véritable narration visuelle où les jeux d'ombre et de lumière accompagnent les émotions de la musique. La photographie soignée, les décors minimalistes et le travail sur les contrastes renforcent le caractère cinématographique de l'ensemble et invitent le spectateur à une expérience immersive.

Les textes de Litiges!, principalement écrits en anglais, abordent également les paradoxes du monde contemporain. Solitude, fatigue mentale, communication difficile et besoin de retrouver un dialogue sincère alimentent des chansons ouvertes à plusieurs interprétations. Le nom du projet résume d'ailleurs parfaitement cette démarche : faire du désaccord un point de départ vers l'échange plutôt qu'une impasse.

Avec I Wanna Be A Diamond, Litiges! confirme qu'il possède une véritable vision artistique et les moyens de la traduire en musique comme en images. Ce nouveau single renforce l'attente autour du premier EP prévu début 2027 et installe un peu plus le projet parmi les formations émergentes les plus prometteuses du rock indépendant. Entre puissance sonore, élégance mélodique et émotion à fleur de peau, Litiges! signe une œuvre convaincante qui mérite toute l'attention des amateurs de rock moderne.

De Michel à France plonge le public dans l'univers de Michel Berger et France Gall à La Seine Musicale avant une tournée nationale

De Michel à France s'annonce comme l'un des grands spectacles musicaux de l'année 2027. Consacré à Michel Berger et France Gall, ce concert hommage sera présenté le 16 janvier 2027 à 20h30 à La Seine Musicale, à Boulogne-Billancourt, avant de partir en tournée dans toute la France. Avec Léa Deleau et Even dans les rôles de ces deux figures majeures de la chanson française, cette création propose une nouvelle façon de redécouvrir un répertoire devenu intemporel.

Produit par Richard Walter Productions et Erick Benzi, à l'origine des spectacles à succès Héritage Goldman et Génération Céline, De Michel à France a été imaginé comme une véritable immersion dans l'univers artistique de Michel Berger et France Gall. L'objectif est de faire revivre leurs chansons tout en laissant aux interprètes la liberté d'apporter leur propre sensibilité.

Sur scène, Léa Deleau et Even reprennent les rôles de France Gall et Michel Berger avec une approche personnelle. Leur ambition n'est pas de reproduire à l'identique les artistes originaux, mais de transmettre l'émotion, la sincérité et la modernité de chansons qui continuent de toucher toutes les générations. Cette interprétation permet de redonner une nouvelle énergie à un catalogue musical exceptionnel.

La scénographie occupe une place essentielle dans le spectacle. Le public sera plongé dans un décor rétro avec un studio d'enregistrement reconstitué, rappelant l'époque où sont nés certains des plus grands succès de Michel Berger et France Gall. Cette ambiance intimiste permet de retrouver l'esprit créatif de ces années tout en proposant une expérience scénique actuelle et immersive.

Le spectacle fera revivre une vingtaine de chansons incontournables du duo. Les spectateurs pourront retrouver des titres emblématiques comme La Groupie du pianiste, Tout pour la musique, Évidemment, Babacar, Résiste, Quelques mots d'amour, Diego, libre dans sa tête ou encore Ça balance pas mal à Paris. Accompagnés par quatre musiciennes, les deux artistes feront voyager le public à travers un répertoire riche en émotions et en souvenirs.

Au-delà d'un simple concert hommage, De Michel à France raconte une histoire artistique exceptionnelle. Celle de deux créateurs qui ont marqué durablement la chanson française grâce à des mélodies fortes, des textes sensibles et une capacité unique à parler au cœur du public. Leurs chansons évoquent l'amour, la liberté, les rêves et les émotions universelles qui continuent de résonner aujourd'hui.

La date du 16 janvier 2027 à La Seine Musicale représente un moment particulièrement attendu pour les fans de Michel Berger et France Gall. Cette salle prestigieuse accueillera le lancement d'une tournée qui permettra aux spectateurs de nombreuses villes françaises de découvrir ce spectacle ambitieux.

Avec De Michel à France, Richard Walter Productions et Erick Benzi poursuivent leur volonté de créer des spectacles capables de rassembler toutes les générations autour de grands répertoires populaires. Entre nostalgie, émotion et plaisir de retrouver ces chansons mythiques sur scène, cette création promet une soirée exceptionnelle pour tous les amoureux de musique française.

Jacqueline Taieb dévoile une composition inédite disponible sur YouTube via le label LTO Music

Jacqueline Taieb continue d'enrichir son œuvre avec Une Comédie, une nouvelle chanson écrite et composée par cette grande signature de la chanson française. Disponible sur YouTube grâce au label LTO Music, le titre est interprété par Julia Laville, dont la prestation met en valeur toute la musicalité de cette création. Cette sortie confirme une fois de plus que Jacqueline Taieb reste une artiste animée par le plaisir de composer et de transmettre ses chansons.

Depuis plus de soixante ans, Jacqueline Taieb construit un parcours singulier dans le paysage musical français. Révélée au milieu des années 1960 avec 7 heures du matin, elle a toujours suivi sa propre voie, privilégiant la création à la recherche des tendances. Cette fidélité à son univers lui a permis de développer un répertoire riche, où les mélodies occupent une place essentielle et où chaque chanson possède une véritable identité.

Avec Une Comédie, Jacqueline Taieb propose un titre qui respire la bonne humeur. La composition séduit par son équilibre, son rythme agréable et son atmosphère lumineuse. Sans chercher l'effet spectaculaire, la chanson invite simplement à partager un moment de musique, porté par une écriture soignée et une mélodie qui s'installe naturellement dans la mémoire de l'auditeur.

Le choix de Julia Laville pour interpréter cette nouveauté apporte une dimension supplémentaire à l'œuvre. Sa voix, à la fois délicate et expressive, accompagne parfaitement l'esprit de la chanson. Elle lui donne une couleur contemporaine tout en respectant l'intention de Jacqueline Taieb, créant ainsi une rencontre artistique harmonieuse entre une auteure-compositrice reconnue et une interprète pleine de sensibilité.

Disponible dès maintenant sur YouTube via le label LTO Music, Une Comédie témoigne d'une créativité toujours présente. Jacqueline Taieb démontre qu'elle continue d'écrire avec la même envie qu'à ses débuts, en privilégiant des chansons qui rassemblent, qui donnent le sourire et qui mettent la mélodie au premier plan. Grâce à l'interprétation de Julia Laville, cette nouvelle composition trouve naturellement sa place parmi les réalisations récentes d'une artiste dont le talent continue de traverser les générations.

Dupont propose sept chansons inspirées par les souvenirs, les rencontres et les émotions qui marquent une vie.

Dupont présentera le 26 juin 2026 son nouvel album Pensées Vagabondes, une œuvre qui confirme son attachement à la chanson d’auteur et à l’art de raconter des histoires. Composé de sept titres originaux et publié sous l’étiquette Baboo Music, ce troisième album s’inscrit dans un parcours artistique où l’authenticité a toujours occupé une place centrale. Fidèle à sa vision de la musique, l’auteur-compositeur-interprète québécois privilégie des textes inspirés du vécu, des émotions et des expériences qui nous rapprochent les uns des autres.

Avec Pensées Vagabondes, l’artiste invite l’auditeur à ralentir le rythme pour prendre le temps d’écouter des récits empreints d’humanité. Chaque chanson se construit autour d’une histoire, d’un souvenir ou d’une réflexion sur le passage du temps. Les thèmes abordés touchent à la mémoire, aux liens qui unissent les êtres, aux choix qui façonnent une existence et aux chemins parfois inattendus que la vie nous fait emprunter.

Sur le plan musical, l’album s’inscrit dans la continuité de l’univers développé par Dupont depuis ses débuts. Les influences folk-rock nord-américaines occupent une place importante, tout comme certaines couleurs country qui apportent chaleur et profondeur aux arrangements. L’ensemble est porté par une approche résolument francophone qui met les mots et les émotions au premier plan.

L’enregistrement de Pensées Vagabondes s’est déroulé au studio Baboo Music à Astaffort, en France, entre avril 2024 et juin 2025. La réalisation a été confiée à Esthen Dehut, qui a su créer un écrin musical mettant parfaitement en valeur les compositions. Pour l’occasion, plusieurs musiciens de renom ont participé au projet : Denis Bennarosch à la batterie et aux percussions, Nicolas Fizman à la basse, Freddy Koella aux guitares et au violon ainsi que Nicolas Auger au piano et aux claviers.

Le premier extrait, Des kilomètres d’enfer, donne un aperçu fidèle de l’esprit de l’album. À travers une écriture imagée et une interprétation sincère, cette chanson illustre la capacité de l’artiste à transformer des expériences personnelles en récits universels.

Avec Pensées Vagabondes, Dupont poursuit un parcours artistique amorcé il y a plusieurs décennies et confirme son talent pour créer des chansons qui touchent le cœur autant que l’imaginaire. Un album sincère, porté par l’expérience, la sensibilité et le plaisir de raconter la vie en musique.

Return To Dust et Storm Orchestra réunissent les scènes américaine et française pour une soirée qui s'annonce incontournable le 6 juillet 2026

Return To Dust et Storm Orchestra seront à l'affiche du Pan Piper à Paris le 6 juillet 2026 pour un double plateau qui promet de marquer l'été des amateurs de rock. Cette soirée réunira deux groupes en pleine ascension, reconnus pour leur énergie scénique, leur personnalité musicale affirmée et leur capacité à fédérer un public toujours plus large.

Infos et réservations

Originaire de Los Angeles, Return To Dust s'est progressivement imposé comme l'une des formations les plus prometteuses de la nouvelle scène rock américaine. Le groupe développe un univers qui mêle l'héritage du rock alternatif et du grunge à une approche résolument moderne. Grâce à des compositions puissantes, des harmonies vocales soignées et une forte présence sur scène, Return To Dust attire aujourd'hui l'attention des amateurs de rock bien au-delà des États-Unis.

Les prestations live de Return To Dust constituent l'une des principales forces du groupe. Chaque concert est l'occasion de découvrir toute l'intensité de ses morceaux dans une atmosphère immersive où l'énergie des guitares et la puissance des mélodies occupent une place centrale. Cette réputation grandissante explique l'intérêt suscité par la venue du groupe à Paris.

Pour compléter cette affiche, Storm Orchestra représentera la scène rock française avec une proposition artistique tout aussi ambitieuse. Le trio parisien s'est forgé une solide réputation grâce à des concerts explosifs et à un répertoire qui conjugue efficacité mélodique, modernité et puissance sonore. Au fil des années, Storm Orchestra s'est imposé comme l'un des groupes français les plus dynamiques de sa génération.

La rencontre entre Return To Dust et Storm Orchestra offre un véritable dialogue entre deux visions du rock contemporain. Si les influences diffèrent, les deux groupes partagent la même passion du live et la même volonté de créer une connexion forte avec le public.

Dans le cadre chaleureux du Pan Piper, Return To Dust et Storm Orchestra proposeront une soirée placée sous le signe de l'intensité et de la découverte. Pour les amateurs de rock alternatif, de concerts live et de nouvelles sensations musicales, ce double plateau s'annonce comme l'un des rendez-vous à ne pas manquer à Paris en 2026.

Lionel Langlais poursuit la mise en lumière de son cinquième album avec « À des années-lumière », un clip réalisé par Yohann Hebi Daher qui illustre la richesse d’un projet porté par des collaborateurs fidèles et une profonde sensibilité artistique.

Avec la sortie du clip « À des années-lumière », l’artiste offre une nouvelle résonance à l’un des titres de son cinquième album, paru il y a quelques mois et salué pour sa cohérence artistique.

Réalisé par Yohann Hebi Daher, le clip accompagne la chanson avec élégance. Sans céder à la surenchère visuelle, il privilégie l’atmosphère, les sensations et la force évocatrice des images. Cette approche permet de prolonger le message du titre tout en laissant au spectateur la liberté de construire sa propre interprétation.

« À des années-lumière » reflète parfaitement l’identité artistique développée par Lionel Langlais au fil de ses albums. Les thèmes du souvenir, du lien entre les êtres et du regard porté sur le temps traversent cette chanson avec une grande délicatesse. Une écriture qui trouve son origine dans le travail de Quentin Lamotta, fidèle collaborateur chargé des textes.

Côté musical, l’album bénéficie une nouvelle fois des arrangements de Lionel Gaillardin. Fort d’une carrière qui l’a conduit à collaborer avec des artistes tels qu’Il était une fois, Véronique Sanson, Benjamin Biolay ou Keren Ann, il apporte son expérience et son sens de la nuance à un répertoire où chaque détail compte.

Cette fidélité entre les différents acteurs du projet contribue à la cohérence de l’ensemble. Depuis plusieurs années, Lionel Langlais construit une œuvre qui privilégie l’authenticité plutôt que les tendances passagères. Une démarche qui séduit un public sensible à la qualité des textes et à l’élégance des mélodies.

Parallèlement à cette actualité, l’artiste poursuit sa tournée des kiosques parisiens. Depuis le mois de mai et jusqu’à la fin du mois d’août, il propose des rendez-vous musicaux dans plusieurs espaces emblématiques de la capitale, favorisant une proximité rare avec le public.

Avec « À des années-lumière », Lionel Langlais confirme ainsi la vitalité d’un projet artistique cohérent, sensible et profondément humain.