Julien Rossier est Coluche : avec une vidéo dévoilée le 30 octobre 2026, le comédien ressuscite l'une des séquences les plus marquantes de la carrière de Coluche, son entrée fracassante dans la course à la présidentielle.

Julien Rossier signe un clin d'œil particulièrement bien trouvé à l'histoire de l'humour français. Le 30 octobre 1980, Coluche annonçait officiellement sa candidature à l'élection présidentielle. Une déclaration inattendue qui allait provoquer un véritable événement médiatique et installer l'humoriste au cœur de l'actualité politique. Quarante-six ans plus tard, jour pour jour, Julien Rossier reprend cette scène mythique dans une nouvelle vidéo. Il retrouve les mots et l'attitude de son illustre modèle pour annoncer, avec la même irrévérence, sa propre candidature à la Présidence de la République !

Cette initiative repose sur un anniversaire qui mérite d'être rappelé. À travers cette candidature, Coluche avait démontré qu'un humoriste pouvait s'emparer des sujets les plus sérieux et détourner les codes établis pour faire entendre une autre voix. Son intervention avait dépassé le simple effet comique. Elle avait notamment permis de donner une visibilité aux préoccupations de citoyens qui ne se reconnaissaient pas nécessairement dans les discours politiques traditionnels.

Plus de quatre décennies après cet épisode, l'esprit de Coluche conserve une étonnante actualité. Son humour direct, son insolence et son sens de la formule continuent de séduire des publics très différents. Ses sketchs sont devenus des références, ses personnages font partie de la mémoire collective et ses interventions restent associées à une époque où il n'hésitait jamais à dire tout haut ce que beaucoup pensaient tout bas.

C'est cet héritage que Julien Rossier souhaite partager avec le public à travers son spectacle C'est l'histoire d'un mec. Le comédien fait revivre les grands moments de la carrière de Coluche et replonge les spectateurs dans un répertoire particulièrement riche. Au programme figurent plusieurs incontournables : Le Schmilblick, Le CRS arabe, Gugusse, L'Auto-stoppeur et bien sûr C'est l'histoire d'un mec. Autant de sketches qui témoignent de l'imagination et de l'observation acérée de leur auteur.

Au-delà de la nostalgie, ce rendez-vous permet aussi aux nouvelles générations de découvrir un artiste qui a profondément renouvelé la comédie française. Retrouver ses textes sur scène, c'est mesurer leur efficacité, leur audace et leur capacité à provoquer encore le rire aujourd'hui.

Les 8 et 9 novembre 2027, Julien Rossier présentera son spectacle au Théâtre du Gymnase à Paris, avant de partir à la rencontre du public dans le cadre d'une tournée française.

La nouvelle vidéo est à découvrir dès maintenant sur YouTube. Pour retrouver les informations pratiques et les prochaines représentations, consultez le site officiel du spectacle Julien Rossier est Coluche.

MORPHELANCOLIE donne rendez-vous aux amateurs de pop singulière le 27 novembre 2026 avec HYPNOSYMPHONIE, son premier album publié chez Active Records. L’artiste suisse y façonne un univers où les émotions se traduisent en textures électroniques, où les mélodies côtoient des sonorités plus sombres et où les frontières musicales restent volontairement poreuses. Plus qu’une simple collection de chansons, ce disque affirme une identité artistique en mouvement, nourrie par les expériences personnelles et le besoin de se réinventer.

Originaire de Lausanne, l’auteur-compositeur-interprète a imaginé un terme pour définir sa démarche : la « morpho-pop ». Cette appellation évoque une musique capable de changer de forme selon les inspirations, sans se soumettre aux codes d’un genre unique.

Originaire de Lausanne, l’auteur-compositeur-interprète a imaginé un terme pour définir sa démarche : la « morpho-pop ». Cette appellation évoque une musique capable de changer de forme selon les inspirations, sans se soumettre aux codes d’un genre unique.

La réalisation de l’album s’appuie sur une collaboration avec Hedayat Music, structure parisienne ayant notamment travaillé avec Shy’m et La Petite Culotte. Laure Milan, qui a collaboré avec Amel Bent et Vitaa, assure la direction vocale et les chœurs. Ces contributions participent à la construction d’un projet où le travail des voix accompagne les variations d’atmosphère et souligne les différentes nuances de l’interprétation.

Les chansons plongent dans des sujets qui touchent à l’intimité et aux contradictions humaines. L’amour, l’identité, la folie, les addictions et les rêves constituent autant de pistes explorées à travers une écriture riche en métaphores. Loin de chercher des réponses définitives, MORPHELANCOLIE préfère mettre en lumière les tensions qui traversent les individus, entre ce qu’ils sont, ce qu’ils ont vécu et ce qu’ils espèrent devenir.

Cette recherche se retrouve jusque dans le nom de l’artiste. L’évocation de Morphée renvoie au rêve et aux possibilités qu’il ouvre, tandis que la mélancolie rappelle les traces laissées par le passé. Entre ces deux pôles, le musicien développe un langage personnel, prolongé par un univers visuel androgyne et coloré qui accompagne ses transformations.

HYPNOSYMPHONIE s’inscrit dans la continuité d’un premier EP éponyme sorti en 2025 et de plusieurs singles dévoilés en 2026. Le parcours de l’artiste s’est également enrichi de rencontres professionnelles, notamment à Voix de Fête et au Label SUISA Songwriting Camp à Lausanne, où un titre créé avec son équipe a été distingué par la direction artistique du camp.

Sur scène, les compositions prennent une dimension plus directe, avec une énergie brute qui accentue leur versant rock. Cette autre facette complète le travail de studio et souligne la volonté de MORPHELANCOLIE de faire évoluer son projet sans cesse. Pour découvrir son univers et suivre son actualité, rendez-vous sur le site officiel de MORPHELANCOLIE.

Leïla Soldevila dévoile Line & Borders, un album où se rencontrent jazz, musiques traditionnelles et improvisation. Attendu le 21 janvier 2027 chez InOuïe Distribution, ce projet reflète le parcours d’une contrebassiste et compositrice façonnée par les rencontres et les voyages musicaux.

De Toulouse aux scènes internationales, Leïla Soldevila a construit son identité artistique en franchissant les frontières entre les genres. Passionnée par les musiques qui échappent aux classifications, elle a développé un langage personnel nourri de jazz, de musique classique, d’improvisation et de traditions venues de différents horizons. Son itinéraire témoigne d’une curiosité constante, qui l’a conduite à explorer des répertoires variés et à multiplier les collaborations.

Sa formation contribue à cette ouverture. Après avoir étudié le piano pendant quinze ans, elle découvre la contrebasse autour de la vingtaine et choisit d’en faire son instrument de prédilection. Elle poursuit son apprentissage à l’Institut musical de formation professionnelle de Salon-de-Provence, au conservatoire de Lyon, puis au Conservatoire royal de La Haye. Elle complète ensuite son parcours au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, où elle obtient en 2013 un master en jazz et musiques improvisées.

Au fil des années, les rencontres deviennent un moteur essentiel de son évolution. Leïla Soldevila collabore avec des artistes issus de cultures musicales très différentes, parmi lesquels le joueur de oud marocain Saïd Chraibi, le flûtiste Henri Tournier, mais aussi des musiciens associés aux traditions iraniennes, irakiennes, turques ou syriennes. Elle travaille également dans les univers du jazz contemporain, de la chanson, du théâtre et de la danse. Ces expériences nourrissent une pratique musicale où l’écoute, l’adaptation et le dialogue occupent une place centrale.

En 2021, elle crée Line & Borders, un projet personnel qui lui permet de développer plus directement son travail de compositrice. À ses côtés, Célia Forestier apporte sa voix et ses textes, tandis que Félicité de Lalande explore les possibilités expressives de la harpe. La contrebasse, le chant et les cordes se rencontrent dans une formation électro-acoustique ouverte à l’improvisation et aux textures électroniques.

Conçu à un tournant de sa vie, Line & Borders traduit une réflexion sur les transformations qui bouleversent l’existence. Chaque composition raconte une étape, un passage entre deux états, du trouble à l’apaisement. Cette approche personnelle prolonge le parcours d’une musicienne qui fait de la diversité des influences une véritable matière créative.

Le nouvel album Line & Borders sortira le 21 janvier 2027 chez InOuïe Distribution. Retrouvez le parcours et les projets de l’artiste sur le site officiel de Leïla Soldevila.

De Michel à France invite le public à replonger dans l’univers musical de Michel Berger et France Gall lors d’un spectacle à découvrir le 16 janvier 2027 à La Seine Musicale. Interprété par Léa Deleau et Even, ce rendez-vous musical se prolongera par une tournée dans toute la France, avec une promesse : faire vibrer à nouveau les chansons qui ont marqué plusieurs générations.

Les grands répertoires ont cette capacité rare de réunir des publics d’âges différents autour des mêmes refrains. Les compositions de Michel Berger et les interprétations de France Gall en sont une illustration particulièrement forte. Des mélodies pop aux chansons chargées d’émotion, leur héritage reste profondément ancré dans la mémoire collective. Avec De Michel à France, ces œuvres retrouvent une nouvelle vie sur scène, dans un spectacle conçu pour célébrer leur richesse sans les enfermer dans la nostalgie...

Une vingtaine de titres emblématiques composent ce parcours musical. Résiste, Évidemment, La Groupie du pianiste, Tout pour la musique, Babacar, Quelques mots d’amour ou encore Diego, libre dans sa tête figurent parmi les chansons qui font partie de cet univers. Chacune évoque une époque, une émotion ou un souvenir, tout en témoignant de la qualité d’écriture et de la force mélodique de ces deux artistes incontournables.

Une interprétation personnelle au service des chansons

Léa Deleau et Even prennent le relais pour transmettre l’esprit de ce répertoire au public d’aujourd’hui. Plutôt que de chercher à reproduire les prestations originales, les interprètes proposent leur propre lecture des chansons. Ils sont accompagnés de quatre musiciennes, dont la présence donne au spectacle une dimension pleinement vivante et musicale.

La scénographie participe également à l’expérience. Avec son esthétique rétro et ses références à l’univers du studio d’enregistrement, le décor crée une atmosphère à la fois chaleureuse et intimiste. Cette ambiance permet de mettre les morceaux au centre de l’attention et de retrouver l’esprit créatif associé à Michel Berger et France Gall.

Un rendez-vous à La Seine Musicale en janvier 2027

Le spectacle sera présenté le samedi 16 janvier 2027 à 20h30 à La Seine Musicale, à Boulogne-Billancourt, avant de partir en tournée à travers la France. Cette création est portée par Richard Walter Productions et Erick Benzi, déjà associés à des projets consacrés aux grandes figures de la chanson, parmi lesquels L’Héritage Goldman et Génération Céline.

Pour les admirateurs de longue date comme pour ceux qui souhaitent découvrir ou redécouvrir ce répertoire sur scène, De Michel à France promet une soirée placée sous le signe de la musique et du partage.

Retrouvez les informations pratiques et les prochaines dates sur le site officiel de De Michel à France.

NinjA Cyborg dévoile le clip de Burn It All, un nouveau single qui bouscule les codes de la synthwave en y injectant une énergie punk inspirée des années 80. Avec cette création, Martin Antiphon et Marc Botté font évoluer leur univers électronique rétrofuturiste et préparent une nouvelle étape de leur parcours, entre nouvel EP et retour sur scène.

NinjA Cyborg cultive depuis ses débuts une passion pour les sonorités vintage, les ambiances cinématographiques et les mélodies accrocheuses. Formé par Martin Antiphon et Marc Botté, le duo puise son inspiration dans les bandes originales de films d'action, les musiques de jeux vidéo et les synthétiseurs analogiques qui ont marqué les années 80. Pourtant, son objectif n'est pas de reproduire simplement les recettes du passé. Les deux musiciens cherchent à créer une musique actuelle, portée par une véritable écriture de chansons et une sensibilité pop affirmée.

Les amateurs de synthwave pourront retrouver certaines affinités avec Carpenter Brut ou Kavinsky, notamment dans les atmosphères rétrofuturistes et les références à la culture populaire. NinjA Cyborg développe néanmoins une identité propre, en accordant une attention particulière aux mélodies et à la construction de ses compositions.

Avec Burn It All, le tandem franchit un nouveau cap. Après deux EP qui ont posé les bases de son esthétique, le groupe introduit une dimension plus incisive dans sa musique. Le punk anglais des années 80 vient électriser les synthétiseurs et renforcer le caractère direct du morceau. Cette orientation plus brute apporte une nouvelle intensité à son univers sans effacer les textures électroniques et les sonorités rétro qui constituent sa signature.

Le clip s'inscrit dans cette évolution tout en prolongeant le goût du duo pour les histoires visuelles originales. Dès son premier EP, Night of the Cobra, NinjA Cyborg imaginait la bande originale d'un improbable film de kung-fu. Avec The Sunny Road, Martin Antiphon et Marc Botté avaient ensuite donné vie à Gordon, un Cyber Ninja lancé dans un combat contre les méchants de Sun City. Cette aventure avait été adaptée en film d'animation en stop motion, avec des personnages en pâte à modeler réalisés par Jef Dubrana et Olivier Hernandez du Freaks Motion Studio.

Cette créativité accompagne aujourd'hui la sortie de Burn It All, alors que le groupe prépare la suite de ses projets. Son arrivée au sein de la famille Rage Tour annonce son retour sur scène. Un nouvel EP doit suivre la sortie du clip, tandis qu'une tournée se prépare.

Majoritairement réalisés en analogique et mixés dans la Studer 903 de Music Unit, les morceaux de NinjA Cyborg témoignent d'un travail attentif sur les textures et les ambiances sonores. Avec ce nouveau single, le duo conjugue héritage des années 80, modernité électronique et énergie rock pour ouvrir un chapitre prometteur de son aventure musicale.

Antoine Roland poursuit son aventure dans La France a un incroyable talent avec un premier single inspiré de son métier.

Antoine Roland poursuit une aventure artistique qui a pris une nouvelle dimension avec son passage dans La France a un incroyable talent. Après avoir obtenu les quatre « oui » du jury lors de son audition diffusée le 7 octobre sur M6, le jeune artiste dévoile aujourd’hui le clip de « Croque-Mort », son premier single. Une sortie qui permet de prolonger la découverte d’un chanteur dont le parcours professionnel et l’univers musical ne ressemblent décidément pas aux trajectoires habituelles.

À 26 ans, Antoine Roland exerce dans le Nord une profession particulièrement singulière : croque-mort. Un métier qui l’accompagne au quotidien et qui est devenu une source d’inspiration pour sa musique. Avec « Croque-Mort », il aurait pu choisir la provocation ou miser uniquement sur le caractère surprenant de son activité. Il emprunte au contraire une voie beaucoup plus personnelle, en utilisant cette expérience pour parler de la vie, des émotions et de ce que la confrontation au deuil peut changer dans notre regard sur les autres.

Cette dimension humaine est au cœur du morceau. Derrière le titre, Antoine Roland raconte finalement les vivants. Les moments auxquels il est confronté dans son métier lui rappellent l’importance des liens, des souvenirs et du temps qui passe. La chanson devient alors une manière de transformer une expérience professionnelle en réflexion musicale, avec une sincérité qui contribue à rendre le projet particulièrement identifiable.

Sur le plan sonore, « Croque-Mort » évolue progressivement. Le morceau commence dans une ambiance plutôt intimiste avant de gagner en intensité. Les influences folk et pop-rock accompagnent cette progression et donnent davantage d’ampleur à l’interprétation. La voix d’Antoine Roland reste cependant au centre, permettant au texte et à son histoire de conserver toute leur importance.

Pour donner vie à ce premier single, l’artiste s’est entouré de Madame Monsieur à la production. Jean-Karl Lucas et Emilie Satt ont également participé à l’écriture. Cette collaboration apporte au titre une réalisation musicale capable de mettre en valeur son identité tout en conservant le caractère personnel du projet.

Le clip vient naturellement prolonger cette démarche. Après la prestation télévisée qui lui a permis de toucher un nouveau public, Antoine Roland se retrouve cette fois au cœur d’une vidéo pensée pour accompagner la chanson. L’image reste sobre et privilégie la présence de l’artiste, notamment avec sa guitare, afin de laisser la musique et l’interprétation occuper une place essentielle.

Son passage dans La France a un incroyable talent a incontestablement accéléré l’exposition du projet. Les quatre « oui » obtenus devant le jury lui ont ouvert les portes de la suite de la compétition et donné une visibilité considérable à « Croque-Mort ». Cette qualification pour les quarts de finale constitue désormais un nouveau chapitre dans son parcours.

Avec ce clip, Antoine Roland transforme donc une actualité télévisuelle forte en véritable rendez-vous musical. Entre son métier atypique, une chanson personnelle et une prestation qui a marqué le jury, l’artiste dispose aujourd’hui de plusieurs portes d’entrée pour rencontrer le public. « Croque-Mort » apparaît ainsi comme le début d’une histoire musicale appelée à se poursuivre bien au-delà de cette première aventure sur M6.

MISS D’AILES transforme son nouveau single en une expérience visuelle entre musique, rêve et liberté

MISS D’AILES poursuit son aventure artistique avec le clip de « Girl on the Moon », une réalisation qui accompagne son nouveau single sorti le 25 septembre 2026 chez Avanti Music / Believe. Avec cette vidéo, l’artiste ne se contente pas de prolonger une chanson : elle ouvre une nouvelle fenêtre sur un univers nourri par l’imaginaire, les émotions et une véritable passion pour l’image.

« Girl on the Moon » raconte l’histoire d’une âme libre, sensible et insaisissable qui décide de prendre ses distances avec la Terre. Dans un monde marqué par les tensions, elle choisit la Lune comme refuge et entreprend un voyage à travers les galaxies. Au fil de cette exploration, elle rencontre une autre âme esseulée. Une rencontre qui transforme progressivement son périple solitaire en une aventure partagée.

Cette histoire donne au clip une matière particulièrement riche. L’espace, la Lune et le voyage intersidéral deviennent autant de symboles permettant d’évoquer la solitude, le besoin d’évasion mais aussi la possibilité d’une rencontre. La vidéo vient ainsi renforcer la dimension contemplative du morceau et prolonger en images les émotions présentes dans la chanson.

Le choix d’un univers visuel n’est pas surprenant lorsqu’on connaît le parcours de MISS D’AILES. Auteure, compositrice et interprète, elle entretient depuis longtemps un rapport étroit avec plusieurs disciplines artistiques. La peinture et l’écriture occupent une place importante dans sa création, tandis que son passage par une école de cinéma lui a permis d’approfondir son intérêt pour l’image et la narration.

Son parcours musical a commencé très tôt. Formée au conservatoire dès l’âge de 7 ans, elle développe ensuite son propre langage artistique en multipliant les expériences. Ses voyages à travers le monde constituent également une source d’inspiration. Elle les effectue avec ses chansons et ses carnets de croquis, captant des impressions qui viennent ensuite nourrir son travail.

Avant « Girl on the Moon », MISS D’AILES avait déjà présenté « Point d’interrogation » et « Petit Pion ». Ces deux premiers titres ont posé les premières bases d’un projet aujourd’hui en pleine évolution. Le nouveau single et son clip permettent d’en découvrir une facette plus tournée vers le rêve et l’exploration.

Ses influences musicales témoignent d’un univers éclectique. Pink Floyd, Serge Gainsbourg, Alain Bashung et les Rolling Stones font notamment partie des références qui accompagnent son parcours. MISS D’AILES privilégie des arrangements délicats et une interprétation sincère, laissant à sa voix toute sa place.

Actuellement, l’artiste travaille à son premier album, tout en poursuivant parallèlement son activité de peintre. Des concerts sont également prévus prochainement, offrant l’occasion de découvrir sur scène une personnalité artistique qui aime faire dialoguer les disciplines.

Avec le clip de « Girl on the Moon », MISS D’AILES poursuit donc son exploration d’un territoire où musique, image et imagination se rencontrent. Une nouvelle étape pour une artiste émergente qui avance avec liberté et construit progressivement son propre langage.

Mathieu Lippé revient avec un projet musical qui porte en lui une véritable invitation au renouvellement. Le 25 septembre 2026, le poète, slameur, auteur-compositeur et musicien québécois dévoilera La Magnificence des choses qui renaissent chez InTempo Musique. Avec cet album, l’artiste poursuit son exploration d’une écriture libre, où les mots deviennent à la fois matière musicale, espace de réflexion et source d’émotion.

Dès les premières écoutes, le nouveau disque révèle une volonté de sortir des cadres habituels. La chanson francophone dialogue avec le slam, le rap poétique et le spoken word, tandis que les arrangements s’ouvrent à une pop organique et à des textures électroniques. Les rythmes peuvent se faire incisifs avant de laisser place à des moments plus contemplatifs. Cette alternance donne à l’ensemble une respiration particulière, entre énergie scénique et introspection.

La Magnificence des choses qui renaissent ne se contente pas de proposer une succession de chansons. Chaque morceau constitue une traversée et ouvre une nouvelle perspective. Certaines compositions s’intéressent aux mécanismes de notre société contemporaine, notamment à la surconsommation, à la polarisation des idées, à la marchandisation de la peur ou à cette recherche d’un confort parfois trompeur.

D’autres titres prennent le chemin inverse et invitent à ralentir. Le souffle, la présence, l’amour, la nature et la conscience deviennent alors des points d’ancrage. Cette opposition entre les turbulences du monde et la recherche d’un essentiel forme l’un des fils conducteurs du projet.

La force de l’écriture repose également sur une langue riche en images. Les éléments naturels occupent une place importante et deviennent les symboles d’une conscience toujours en mouvement. Les références philosophiques et sociales s’intègrent à une poésie très incarnée, qui cherche autant à faire ressentir qu’à faire réfléchir.

Plusieurs personnages apparaissent également au fil des chansons. Ils incarnent parfois certains travers de la société, mais peuvent aussi renvoyer aux contradictions présentes en chacun de nous. L’album ne cherche donc pas uniquement à observer le monde extérieur : il invite également à modifier son propre regard.

Cette démarche correspond pleinement au parcours de Mathieu Lippé, artiste de la parole capable de passer de la chanson au conte, de l’improvisation au rap et du slam à une poésie plus intime. Son approche se distingue par cette capacité à décloisonner les genres tout en conservant une attention particulière portée au texte.

Avec La Magnificence des choses qui renaissent, Mathieu Lippé signe ainsi un nouvel album où la musique accompagne une réflexion sur la transformation, la beauté et la possibilité d’un nouveau départ. Disponible le 25 septembre 2026 chez InTempo Musique, ce projet permet de retrouver un artiste québécois dont l’univers repose avant tout sur la puissance des mots et la liberté de les faire vivre autrement.

Vénérable dévoile neuf chansons où l’électro dialogue avec la poésie et la chanson française

Vénérable dévoile Spectacle Favori, un album de neuf titres qui invite à découvrir une chanson française ouverte aux influences électroniques, au groove et à l’indie rock. Originaire de Caen, le multi-instrumentiste poursuit avec ce nouveau projet une démarche artistique indépendante, nourrie par les rencontres, les expériences et une imagination qui semble toujours prête à prendre de nouvelles directions. La sortie vinyle est prévue le 11 septembre 2026 sur Bandcamp.

Plutôt que de reproduire une formule déjà connue, l'artiste préfère ici composer un paysage musical en mouvement. Les morceaux jouent avec les contrastes, alternant passages mélodiques, sonorités électroniques et rythmiques plus entraînantes. Cette liberté donne à Spectacle Favori une personnalité particulière, entre proximité de la chanson et envie d'exploration.

Certains titres permettent d'entrer immédiatement dans cet univers. Nirvana ouvre notamment une porte vers une ambiance à la fois personnelle et imagée. Prétendant poursuit le voyage avec une autre couleur, tandis que Ce n'est pas ma faute participe à cette succession d'atmosphères qui fait toute la richesse du disque.

Le musicien s'appuie également sur son expérience de multi-instrumentiste. Après avoir évolué dans différents projets et accompagné plusieurs artistes, Vénérable possède une palette suffisamment large pour faire dialoguer instruments et productions électroniques. Son approche DIY lui permet de conserver une grande liberté dans la conception de ses morceaux.

Le groove occupe une place importante dans cette aventure. Corps à Corps en donne une illustration particulièrement évidente, avec une énergie qui invite davantage au mouvement. À l'inverse, d'autres compositions prennent le temps de laisser respirer les mélodies et les textes. Cette alternance contribue à faire de l'album un ensemble vivant plutôt qu'une simple collection de morceaux.

Le clip de Répète si c'est Oui avait déjà dévoilé une partie de l'imaginaire cosmique associé au projet. Avec Spectacle Favori, Vénérable approfondit cette esthétique et construit un monde où la poésie peut côtoyer les pulsations du dancefloor.

La sortie du vinyle constitue une nouvelle étape pour cet album indépendant. À partir du 11 septembre 2026, les amateurs de formats physiques pourront commander Spectacle Favori sur Bandcamp et retrouver ses neuf chansons autrement que par le streaming.

Entre chanson française, électronique, groove et indie rock, Spectacle Favori confirme ainsi la volonté de Vénérable de créer sans s'imposer de frontières. Une aventure musicale personnelle, accessible et résolument libre.

Commander le vinyle de Spectacle Favori : Bandcamp – Vénérable

Shaârghot retrouvera le public le 6 décembre 2026 à La Cigale, à Paris. Cette nouvelle étape s’annonce comme un rendez-vous particulièrement intense pour les amateurs de metal industriel et de musiques électroniques. L’artiste poursuit ainsi une tournée à travers la France, avec plusieurs occasions de faire découvrir sur scène un univers aussi sombre qu’énergique.

Derrière ce projet se trouve une volonté de mélanger différentes influences pour créer une identité musicale forte. Les guitares saturées côtoient les rythmiques électroniques et les sonorités industrielles, donnant naissance à des morceaux conçus pour provoquer une véritable réaction en concert. La puissance du metal rencontre ainsi la précision des machines dans un ensemble particulièrement dynamique.

À La Cigale, cette approche prendra une dimension supplémentaire. Le public parisien pourra profiter d’une salle emblématique pour retrouver toute l’énergie du spectacle. La scène permet en effet de donner davantage d’ampleur aux compositions et de renforcer leur caractère immersif. Les amateurs de metal comme les curieux pourront ainsi entrer directement dans l’univers développé par l’artiste.

Cette date du 6 décembre constitue également une belle occasion de découvrir Shaârghot dans des conditions live. L’expérience repose sur une musique qui privilégie les contrastes, alternant puissance sonore, rythmiques électroniques et atmosphères industrielles. Une formule qui permet au projet de s’adresser à différents publics tout en conservant une identité très marquée.

Après Paris, la tournée poursuivra son chemin dans différentes villes françaises. Chaque concert sera l’occasion de prolonger cette rencontre et de faire résonner cet univers auprès de nouveaux spectateurs. Pour les passionnés de metal industriel, cette série de dates constitue une opportunité de retrouver une proposition musicale pensée pour la scène.

La tournée permet également de rappeler combien le spectacle vivant reste essentiel dans l’univers de Shaârghot. Les morceaux prennent une autre dimension face au public et l’énergie collective vient renforcer leur impact. Entre sonorités lourdes, électronique et esthétique industrielle, le projet trouve sur scène un terrain d’expression particulièrement naturel.

Le rendez-vous parisien est donc fixé au 6 décembre 2026 à La Cigale. Une date à retenir pour celles et ceux qui souhaitent découvrir ou retrouver cet univers musical singulier.

Pour connaître les autres dates de la tournée et retrouver toutes les informations pratiques, consultez la page officielle de Shaârghot.